Retrato de una mujer en llamas, la pasión encarnada

 Una pintora francesa es encargada con hacer el retrato de una mujer que no conoce antes de que se case, por lo que tiene que pasar tiempo con ella para poder retratarla fielmente. Mientras las dos se van conociendo más van despertando un amor prohibido, mientras aprovechan el tiempo antes de que las dos sean separadas por el compromiso de la joven.

La película está dirigida por Celine Sciamma, una directora francesa que tomó al mundo por sorpresa con esta propuesta. Aquí aprovecha muy bien todos los elementos para mostrarnos tanto el mundo de la pintura como el tiempo en el que se sitúa el filme, mostrando las acciones mundanas en las que se involucran las protagonistas, los hermosos paisajes y hermosos vestidos que portan.

Es una historia agridulce, los personajes son introducidos y desarrollados de una forma bastante natural, donde las partes que podría destacar son los pequeños acercamientos entre los personajes, forjando tanto una amistad como un amor sincero. 

Me parece que es una película que puede hablar mucho por el mundo de la época, desde una perspectiva donde era menos tabú hablar sobre abortar bebes que de mujeres teniendo relaciones intimas y bellas. La música también es un aspecto importante en la película, pues la mayoría de las escenas solo se muestran sonidos naturales salvo por un par de excepciones, lo que ayuda a sumergirse en la atmósfera y apreciar las interacciones de los personajes de manera más natural.

Esta es una de las películas que más me han conmovido durante una proyección, es una historia de amor con la que es fácil conectar y la falsa esperanza de ver a estos personajes juntos una última vez es lo que juega con los nudos de la garganta en este drama tan memorable.

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Embriagado de amor, una película sobre superación

 Barry Egan es un hombre deprimido, después de haber crecido en una familia rodeado por sus 8 hermanas sus inseguridades solamente hacen que sea más vulnerable a su trato y que sienta más rechazo por ellas. Después de planear una forma de huir de su vida conoce a una mujer que lo impulsará a seguir ese sueño, Lena Leonard, una chica con la que tiene sentimientos mutuos por la que llegará a hacer lo que sea, desafiando hasta su propia fuerza.

La película es dirigida por Paul Thomas Anderson, uno de mis directores favoritos y responsable de obras tales como B
oogie Nights (1997), Petróleo sangriento (2007), Magnolia (1999) y The master (2012). La película es una comedia que tiene muchos toques de drama interesantes, especialmente por el personaje principal.

Barry es un personaje muy identificable, Adam Sandler logró personificar la ansiedad, el estrés y la depresión en su personaje de manera magistral, no muchos actores cómicos tienen el rango de emociones que demuestra Sandler en esta cinta, lo que puede recordar un poco a su papel en Locos de ira (2003) por su forma de dar explosiones de emociones repentinas, un elemento que ha construido muy bien durante su carrera.

Esta película muestra a un hombre roto que reencuentra ganas de seguir adelante en alguien más, que a pesar de la situación en la que está envuelto por sus hermanas logra superar la adversidad y encontrar fuerza donde no la tiene.

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Stalker, el poder de los deseos

 En un país desconocido en un lugar desconocido ha caído un meteorito, creando "La zona" una parte deshabitada y misteriosa en la que cualquier cosa puede pasar, donde los deseos se cumplen y la muerte acecha dentro de cada rincón. Dos personas, un profesor y un escritor, buscando adentrarse en La zona contactan con un Stalker, los únicos hombres calificados para entrar y salir vivos de allí y responsables de llevar a las personas a tratar de hacer sus deseos realidad.

La película es dirigida por Andrei Tarkovski, un director ruso muy reconocido que trabajó en otras películas como Mirror (1975), La infancia de Ivan (1962) o Solaris (1972). Stalker es una película escrita con una intención bastante clara, la de generar conflicto entre los protagonistas y ver como se las arreglan para resolverlo entre ellos, podrían darse múltiples interpretaciones de lo que representan cosas como La zona o los protagonistas, pero creo que lo más básico que podríamos sacar de esta historia es que es un debate entre el idealismo y el materialismo, aunque esta sigue sin ser una interpretación lo suficientemente completa.

Tarkovski tuvo muchos problemas rodando esta película, desde problemas con las cámaras que usaron para la primera filmación de la película las que obligaron a desechar el material casi por completo, hasta problemas con las locaciones de filmación que terminaron ocasionando problemas de salud irreversibles para el equipo detrás de la película, el director incluido.

Stalker es una película altamente filosófica, la dinámica entre los personajes y la belleza del paisaje nos adentran en una aventura que hace volar nuestra imaginación, sin mencionar las grandes actuaciones de todos los personajes. Un clásico infaltable para todos los amantes del cine.

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Mishima, una vida en cuatro capítulos

En esta película vemos la vida de Yukio Mishima, un famoso escritor japones al que acompañamos desde sus primeros pasos hasta su último día en la tierra, con una narración de su vida a través de distintas obras, las que le dan el nombre a los capítulos que se mencionan en el título.

El film es dirigido y escrito por Paul Schrader, escritor conocido por su trabajo en obras como Taxi Driver (1976) de Martin Scorsese donde tomó el rol de guionista, en Mishima el director rinde homenaje a la vida, obra y muerte del escritor, influenciado por la experiencia que su hermano tuvo al conocer a Mishima durante su vida en Japón. 

A pesar de ser una historia que nos muestra a Yukio Mishima como un hombre complejo, inteligente y respetable, la familia del fallecido y activistas de derecha en Japón se negaron a permitir que la película fuera exhibida en el país, por la representación de Yukio como un hombre homosexual. 

Aún con estas trabas, la película fue recibida muy bien por la crítica, siendo incluso considerada entre las mejores películas de la historia. Por mi parte, me encanta como dentro de esta película podemos ver los aspectos estereotípicos de los japoneses en Mishima, el honor, la fuerza de voluntad, su inteligencia y de todas formas se opone a las ideas de sus superiores tanto por rebeldía como por amor verdadero a la patria que lo vio crecer y volverse lo que se volvió, una leyenda que por siempre vivirá en el recuerdo de todos los que influenció con su obra y con su muerte.

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Apocalypse now, el horror de la guerra.

 Durante la guerra de Vietnam, el capitán Willard es enviado en una misión sin clasificar que involucra encontrar a un legendario coronel que ha estado aprovechando su desaparición para liderar su propia infantería personal contra el Viet cong, por lo que es un peligro para todos y las fuerzas armadas consideran que es necesaria su eliminación. Durante esta travesía podemos ver el descenso a la locura de Willard y su compañía, mientras exploran el oscuro mundo de la guerra.

El aclamado Francis Ford Coppola, conocido por películas como El padrino (1972) nos trae esta aventura bélica donde trata de retratar la peor cara del enfrentamiento armado. A través de esta película no nos introducen a héroes de guerra listos para la batalla, nos muestran una infantería distraída por las explosiones y los deseos de volver a casa donde los más cuerdos se vuelven locos y los más locos se sienten en el paraíso. La película es muy polémica por su tan accidentada producción, durante el tiempo filmando ocurrieron tragedias como la que le ocurrió a Martin Sheen, quien interpreta al capitán Willard y tuvo un paro cardíaco durante la filmación. Otros desastres involucran el daño irreparable hecho a la flora silvestre con las explosiones de napalm que fueron filmadas a gran escala, como también hubo problemas con los cadáveres usados como utilería y con los animales que perdieron su vida durante la filmación, especialmente vacas que se usaron en el trayecto final de la película.

Sin duda la producción es digna de la trama de la misma cinta, pensar que la locura que envuelve a los personajes presentados no solo se quedo impregnada en el celuloide, sino que también dio pasos en el set de filmación. La película tiene un mensaje muy poético, donde vemos como el hombre que lucha contra sus demonios termina sucumbiendo frente a ellos en las situaciones de alto estrés como la guerra, es una cara de la guerra que muchas veces el mismo orgullo americano termina escondiendo a favor de un discurso más nacionalista cuando saben que perdieron la guerra, al igual que los hombres que dejaron su huella en esas tierras perdieron su cordura y a si mismos.

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Las memorias perdidas en Paris, Texas

 Esta película nos cuenta la historia de Travis, un hombre que se encuentra perdido en el desierto mientras camina aparentemente sin rumbo enfrentando a la misma muerte. Es rescatado por su hermano, que nos llevará en una travesía a través de los recuerdos de Travis mientras trata de volver a conectar con su vida pasada antes de su desvío que lo llevaba a Paris, Texas, la tierra de la que sus padres hablaban para gastarle bromas a sus amigos.

Es dirigida por Wim Wenders, un director alemán que buscaba reflejar la vida americana a través de sus ojos. Durante el corto tiempo de filmación (aproximadamente 4 o 5 semanas) la película no tuvo un guión completo, el escritor Sam Shepard quiso que el guión se base de la interpretación que los actores tenían de sus personajes, pero por contratiempos con otros trabajos paralelos el escritor tuvo que confiar su idea del final al director Wim Wenders, quien tuvo la idea de introducir el concepto de un "Peep show" como la ultima locación de la película.

A pesar de estas inusuales practicas para rodar la película, el guión y en especial la puesta en escena propuesta tanto por Sam Shepard como por Wim Wenders nos trasladan a un mundo oscuro que se encuentra cubierto por una capa de colores saturados y chillones. Paris, Texas (1984) nos muestra el camino de un hombre roto que trata de volver a tomar las riendas de su vida después de huir de su pasado, en una historia que es conmovedora y entrañable.

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Brazil, una fantasía en un mundo distópico

 En un futuro no definido, el mundo se ha convertido en un infierno burocrático del que Sam Lowry trata de escapar en sus sueños. Después de que el destino (y un error de tipeo) le costara la vida a un hombre inocente, Lowry se dedicará a tratar de atar los cabos sueltos detrás de su muerte mientras sigue soñando despierto.

Esta película fue dirigida por el aclamado Terry Gilliam, más conocido por su papel en el grupo humorístico Monty Python. El director cuenta en el documental What is Brazil? (1985) Sobre como la idea detrás de la película viene de una experiencia que tuvo durante una tormenta en las playas de Inglaterra, donde a pesar de la tempestad un hombre se quedo bajo la lluvia disfrutando de su música, donde se encontraba la canción que le da nombre a la cinta.

El filme muestra bastante abiertamente su inspiración de dos grandes obras que influenciaron al director, siendo estas el libro 1984 de George Orwell y el cine de Federico Fellini (reconocido por clásicos como La dolce vita o La strada) que le sirvió para darle ese toque onírico, especial y hasta cómico bajo la crudeza del mundo que plantea. La inspiración fue tan grande que la película estuvo a punto de ser titulada 1984 ½, siendo una parodia del libro de Orwell y la película 8½ (1963) de Fellini, pero esta idea no terminó de gustar.

Brazil (1985) plantea una idea que a primera vista parecería esperanzadora, la de un soñador que busca cambiar su espacio de trabajo y salir del mundo en el que se encuentra apresado, pero le da un giro cómico y a la vez oscuro que aporta a la originalidad que trae Gilliam a la historia, con muchos resultados inesperados y un final increible. Esta película se ha vuelto uno de mis clásicos favoritos que espero todos disfruten.

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